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von einer giftigen Schlange gebissen einen qualvollen Tod in einer Agonie von Gewissens-

bissen erleidet.“

Prokofjew gab seiner kalt entschlossenen Kleopatra keine Singstimme, sondern ließ sie

Puschkins Gedicht über das Orchester sprechen und darin ein Gerücht nacherzählen, das

ein römischer Dichter aus dem 4. Jahrhundert, Sextus Aurelius Victor, über sie verbreitet

hatte: „Die Frau war so lüstern, dass sie sich oft als Prostituierte feilbot, so schön, dass sich

manch einer eine ihrer Nächte mit dem Tod erkaufte.“ Prokofjews leicht zu durchschau-

ende Gleichung Sex = Tod übertrifft sogar die Romantiker an Romantik. Seine Ägyptischen

Nächte erzählen von drei Männern, die willens sind, ihr Leben hinzugeben im Tausch für

eine Nacht mit dieser lebenden Göttin der Liebe, oder der Lust, oder beidem. Aber er er-

laubt Kleopatra auch zu erklären, wie sich zu prostituieren ihr Macht verleiht und sie befreit.

Michelangelo benützte ihr Bild als Präsentationszeichnung, eine Art Visitenkarte, die er

möglichen Kunden und Mäzenen überreichte. Tiepolo bedeckte die Wände des Ballsaals

im Palazzo Labia in Venedig mit Episoden ihrer Affäre mit Mark Anton, darunter die be-

rühmte Bankettszene, während derer sie eine unbezahlbare Perle in einem Pokal mit Essig

auflöst, um ihren unendlichen Reichtum und gleichzeitig ihre a/jointfilesconvert/310653/bgrundtiefe Verachtung

diesem Reichtum gegenüber zu zeigen. Weniger begabte Maler hingegen konnten dem

Thema ihres Todes nicht widerstehen: Mag die Schlange sie auch in den Arm gebissen

haben, so fanden die Künstler doch, es sei vonnöten, ihre Brust zu entblößen, damit der

Arm sichtbar wird.

Auch die Filmwelt hat Kleopatra aufgenommen und scheint sie nicht mehr ablegen zu

können. Es begann mit Theda Bara, dem ersten Vamp (will heißen: Vampir), ihren a/jointfilesconvert/310653/bgrund-

tiefen Augen und ihrem Komm-nur-näher-Blick, nicht zu sprechen von ihren Kostümen,

so durchsichtig, dass sie sogar heute noch schockieren.

Die Rolle von George Bernard Shaws Kleopatra wurde Vivien Leigh anvertraut, die sie

sowohl auf der Bühne, wie auch auf der Leinwand mit Charme und Geist spielte; während

niemand-weiß-genau-wessen Kleopatra von Elizabeth Taylor mit üppigem Augen- Make-up

und 65 Kostümwechseln im Film verkörpert wurde. Die cinematografische Apotheose

Kleopatras wurde 2002 im Film Astérix et Obélix: Mission Cléopâtre er reicht – dessen

Handlung wir wirklich nicht kennen müssen.

Wie nett es auch sein mag, diesen Zelluloidwundern nachzusinnen, so sind wir wohl

besser beraten, unsere Aufmerksamkeit wieder der Musik und Händel zuzuwenden. Er

porträtierte Cäsar und Kleopatra – vielleicht auch er verführt von den Berichten über die

Schönheit ihrer Stimme – nicht als historische Persönlichkeiten, sondern als Liebespaar, für

die er eine ausgedehnte Hymne an die leidenschaftliche Hingabe komponierte. Die Tat-

sache, dass Cäsar verheiratet war und Kleopatra mehr als einmal Witwe, und darüber

hinaus von ihren eigenen Brüdern, spielt einfach keine Rolle: Hier sind zwei Menschen,

ausgeliefert ihrer sexuellen Anziehungskraft, berauscht, wenn sie einander sehen und

hören. Bedenken Sie, dass in der Uraufführung am 20. Februar 1724 Cäsar von Senesino

und Kleopatra von der Cuzzoni gesungen wurden. Und für den Fall, dass jemand im

Publikum auf die Idee gekommen wäre, einzunicken, würzte Händel den Abend noch mit

Anastasia Robinson als Cornelia und rührte die Durastanti als Sextus darunter. Das ist

wahre „Feuerwerksmusik“.

Ja, es gibt Cornelia und Sextus, gefangen und beleidigt von Kleopatras gemeinem Bruder

Ptolemäus, doch sie sind Teil dessen, was eindeutig Nebenhandlung ist. Sie lieben den

ermordeten Pompeius, doch es ist die Liebe der treuen Gattin und des pflichtbe wussten

Sohnes, die ihre Arien erfüllt, nicht das entflammte Feuer der körperlichen Begierde.

Cäsar beherrscht die begrenzte Welt wie ein Riese, und er und Kleopatra beherrschen die

Oper: Jeder der beiden bekommt acht Arien und zwei Accompagnati sowie zum Schluss

zwei Duette miteinander. Dies umfasst etwa die Hälfte der Musik – in einer Oper, in der

acht Personen auftreten. Keine Emotion war Händel fremd, doch seine leidenschaftliche

Liebe galt – eben – der leidenschaftlichen Liebe. Vor der den Atem verschlagenden und

ganz und gar gegenseitigen Anziehungskraft, welche aus den Arien und Duetten brandet,

erscheint – zumindest für uns wahre Gläubige – das Ächzen und Schnauben anderer

Komponisten nur noch ungehobelt und grob.

Wer auch immer sich diese Oper anhört und ihre endlosen Freuden in die tiefsten

A/jointfilesconvert/310653/bgründe seines bzw. ihres Geistes strömen lässt, wird nicht überrascht sein über die

Leichtigkeit, mit der Händel dies gelang. Was einen hingegen überraschen muss, ist die

Tatsache, dass diese Oper, a/jointfilesconvert/310653/bgesehen von ein paar gelegentlichen Aufführungen, während

zweier Jahrhunderte praktisch vergessen war.

Doch dann New York und Beverly Sills und eine Explosion von Begeisterung und Inter-

esse. Und dann München 1994, als Giulio Cesare an der Bayerischen Staatsoper in einer

Inszenierung gezeigt wurde, die das Publikum von den Sitzen riss, vor Zustimmung und

Ablehnung brüllend, und Händel so, nach viel zu langer Zeit, dorthin zurückkehrte, wohin

er gehört: nämlich auf unsere Bühnen und in unsere Herzen.

Übersetzung aus dem Englischen: Markus Wyler

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